青く光る脳/噴飯写真大百科

バットを振り回すとき、気持ちが先に行くと、どうしても、バットを持っている手首の部分がスウィングの途中で、バットと一緒に体よりだいぶ先に行ってしまうことが多いらしい。

打ちたい気持ちが先に行くものな。僕も子供の頃を思い出すとそうだったと思う。

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で、彼の言うには（複数の選手も言っていたが）、バットは先が太く重くなっているわけで、それを利用して回転するときの「遠心力」を使ってボールを打つべきだと。

つまり腕力だけではなく、バットのヘッドの重さをもっと利用しろということだ。

故に、降り始めから勢いをつけて体のほぼ中心になったときに、それ以上先に手首が行かないように、止める様にすると、バットの先は遠心力の反動で凄くスピードが出るから、その一番スピードが出た時点でボールを打つべきだと。
（もちろんフォロースルーの時点で手首は同じ位置には止まってないとは思うが）

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そうか、手首がそのまま前に出たら、そのスピードに比例した様な速度でバットが出るから意外とスピードはでてないことになるのだな。

たとえが「鞭のようにバットを使う」と言っていた。

指先でpianoを弾いているのだけど、時に上腕からの重さを上手く指先に伝えないと弾けない大きな和音とかのときに、手の先から力を入れて弾いたらそれこそ腕力がないと弾けないわけで、鞭の様に腕の根本（ねもと）からというと微妙に誤解されそうだけど、腕の重さを使って指の先に伝えられると「てこ」の法則で数倍になるはずで、それが「力」じゃなくてある意味引力や遠心力を利用しているわけだから、楽に弾くということに他ならないから、まさに、pianoを弾く時に考え方としては共通することですね。

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鍵盤の表面に思い入れを凄くする人がいるけど、鍵盤で音がでているわけではなく、鍵盤は太鼓でいうところの撥に過ぎず、それを使ってハンマーを放り投げ、その結果、慣性の法則で跳ね上げたハンマーが弦を売っているわけだから、実にバッティングに似ているところもあると思います。

鍵盤にどのように力を伝えるか、その一瞬で、音質は決まります。

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俗に音の綺麗な人と、汚い人が居ます。
個性的な音で、人によって気持ちよい音の差があるのは気にならないのですが、どうしてこんな不快な音を出して平気なんだろうという人がいます。

他の楽器と違って、同じ楽器でpianoを複数の人が弾くのを聴くと、弾き方によって同じ楽器とは思えない差があるわけで、文学的、感情的にどんなに素晴らしいimaginationを持っていても、やり方が悪ければ、根性だけでヒットが打てないのと同じで、思いとは裏腹に不快な音になっているのです。

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先ほどの野球のシンポジウムで、質問した子供が壇上に上がり、実際にスウィングさせて選手が助言をするのだけど、色々悪い癖があって、直されるんだけど中々すぐには直らなかったりする。

最後の助言。
「繰り返し練習しような、でも言われたことを検証するには、鏡を見たりこの助言を聴いた友達に見て貰って上手く行っているかどうか確かめてね。悪い練習をすると、もっと直らなくなるから」

練習は時に客観視しないと、何が悪いのかも解らず、返って悪い癖をどんどん付ける恐れがある。

だから、他人の助言が大事だし、それがなければ、スポーツのフォームなら鏡、ビデオや写真、我々音楽家は、録音して確かめる必要があるのだ。

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写真と本文は関係ないですが、まあ、たまたま映り混んだchoice!という単語が練習の仕方を選択するということに引っかけたつもりです（爆）

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声楽にせよ、器楽にせよ、心地よい音色と不快なそれがある。

訓練の過程で、たぶんすべての音楽家はアマチュアだろうがプロだろうが「良い音」を探しているはずなのだが、それは全く主観的なもので、何が綺麗な音であるかは、定義づけるのは困難だ。

理想はあっても、声楽家なら自分の声帯に依存する所もあるし、自分の楽器で演奏する人はその楽器の制約を受けるし、我々鍵盤弾きは、電子楽器でない限り、ほとんどの場合、初対面の楽器で人の評価を受ける事になる。

或はこれぞ、神に貰った才能と言わざるを得ないが、訓練する以前に、人の心を動かす声の持ち主や、器楽でも最初から凄く良い音を出す人も居る。

そして弛まぬ努力の果てに、理想を持つ前（単に直感的に獲得した状態）とは見違えるほどの「音」を身につける人も居る。

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でも、音楽は自己表現だという意識が、音楽そのものより優先しているジャンルやジャンルに関わらず、そういう世界観の人にとっては、「自分にとって心地よい音」というのはいくつか武器の選択肢はあるだろうが、それを行使するのに迷いはあまり無いだろうと思う。

あったとしても、それは「自分」をかっこ良く見せるための選択肢であって、外的な必要性に苛まれるということではないと言う単純な意味であろう。

そして、それが評価に値しないと言っているつもりは毛頭ない。

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しかし、ある部分演劇的と言って良いのか判らないが、作品に依って、あるいは作曲家の時代、様式、数百年前の曲であれば、現在演奏されている楽器を想定されていない場合の対処の仕方とか、演奏して出す音が、単に自分の都合だけではなく、何かに寄り添う、そこを今は「演劇的」と書いたのだが、判りやすく言えば、演劇で言えば、純真無垢な青年を演じるのか、死神を演じるのかに依って、出すべき音は違ってくるだろうということだ。

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故に、時には「汚い音」と書くと誤解されるとは思うが、戦いを彷彿とされる音楽に必要な音と、平和に微睡んでいる音楽、では、単に強弱の問題ではなく、しかも単純に色、というだけではない、「性格の違う」音の、絵の具みたいなものを持って行使する事が必要とされると思うのだ。

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だから、自分としては、役柄が違えば同じ人だとは思えない様なキャラクターになる音を出す演奏家（役者）の方が、どんな役を観ても、どんな曲を演奏していも、自分のカラーに染めて、その人の音が何時も際立っている人たちよりは興味を感じる。

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バレリーナの卵が居たとしよう。

彼女がどんなに舞踊でファンタジーを表現しようとしても、単純なバー・レッスンで脚が上がらなければ、その理想を表現する事は実現しない訳で、技術とはその心の中にあるものを舞踊だったらちゃんと股関節としては180度開けるスキルの上に成り立つ事だと思うのだ。

同様に、もともと役柄うんぬん以前に、不快な音を出す演奏家（役者）は残念ながらどんなに崇高な事を考えていたとしても、問題外だ。

この場合、くどいけど、声楽において、しゃがれ声は、場合に依っては、不快な素材になるけど、適応する使い方を変えただけで、しゃがれ声だからこそ魅力になる表現のジャンルがあるわけで、一概に、西洋クラシック音楽のスキルだけが評価されるべきだとは思ってない。

綺麗な音を出す、ないしは、もの凄く難しいパッセージを鮮やかに弾くことに努力する事は大変評価に値する事だが、それは出発点であって、目標であるはずがない。

音楽には、演劇が表す具体性から乖離してとても、抽象的な瞬間も多いが、やっぱりどんなに抽象的であっても、ある種の物語性というか、「美しい音」自体に「指向性」というか「表現のベクトル」みたいなものが伴わなくては面白みがない。

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芝居の場合は、役によって本当に人格が違う様に観えた人も居れば、他の役とそれほどキャラが違う様には見えない人でさえ、きっと、その人の中では、「役作り」として、葛藤し、その役になるために、色々考えているのだろうと思う。

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でも音楽の場合は、楽器を扱う事や、台詞の様に黙読して役の事まで考える以前に、楽譜を黙読して色んなイマジネーションを膨らませるには、音符を拾わなくてはいけないという台詞を読み込む難しさとは違う困難がまずあるわけだ。

その上で、額面通り掴むべき音が判ったとしても、それがどんな隠されたパズルの一片であるかまで理解するには、人間の感情の問題だけではない、音楽の構造を分析するスキルも必要だ。

だから、なおさら、正確に弾けた後、その達成感で終わってしまう演奏が如何に多いかと思うと、やはり音楽家はたまに生きた芝居を見て考えた方が良いと思うのだ。
（もちろん、少しでも体験するチャンスがあれば体験して損になる事は無いが）

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常に美しい音を求めて楽器に向かう事は大事なのだが、その音楽の形成している物語の中で「必要とされる音」を、抽象的な美しさに酔わないで、はっきりとベクトルをもって表現する事は、たとえ、その解釈が、まだ無理解や、もともと奇天烈なものであっても、何も葛藤してない状態よりは、「生きた」音楽になっている様な気がします。

だから、そういう演奏は技術的な傷があったとしても、説得力があるわけで、自分に習っている人たちの試演会が日曜日にあるんだけど、自分自身の、そして、その曲特有の技術的な困難さに怯える事無く、ピアノを弾くというだけじゃなくて音楽を表現してもらいたいと思ってやみません。

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安直にアマチュアの出演者に「楽しんでください」とは言いたくない。

楽しむためには相当な集中力が必要な訳で、集中し続ける事自体に苦悩している人も居る訳で、そういう状況で、楽しめと言われたってねえ（爆）

まずは、楽しむよりは、びりびりに緊張した中で、リラックスする事を探してほしい。

そのうちそれは楽になってくると、字の通り、楽しくなってくるから。

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例え独奏であっても、独りで弾いている時よりは、観客が上手に弾かせてくれるという状況を実感して楽しくなるのであって、確かに「自分が楽しくないと何事も巧く行かない」けど、何が楽しいのか判らないのに「楽しめ」と言われてすぐ楽しめる人は果たして居るのでしょうか（爆）

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脳の可能性とか知らずに機能している事って本当に面白いね。

もう一つ、倫理についての脳の働きに着いても面白い記事がありました。

当分「知覚」については興味が尽きそうにありません。

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水仙の写真は記事の無い様には関係ないけど、やはりこの梅と同じく、先日八王子の龍谷寺で、今年初めて見たものでした。

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Pianoの反復練習を行って、だんだん慣れて来て淀みなく弾ける様になるものですが、その後に、突然、全然訳が分からなくなって、ミスったり、或は酷い事になるとさっきまでそこをちゃんと弾けていたのに初見状態の様に何の音を弾けばいいのかさえ判らなくなることがあります。

最初に書いた様に、これはゲシュタルト崩壊として定義していあるものと同じなのか違うのか素人にはわかりません。

しかし、単に集中力がなくなったからミスをするんだ、と片付けられても、なぜ、そこまで出来た事が出来なくなるか判らない事が、自分でもある時があるし、今日もlessonをしていて初心者に近い人がそういう状態になっているのをみて深く同情しました。

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或は、反復練習をしていて、弾ける様になった段階安心してやめたとします。

そうなると、その数回後に来るべきゲシュタルト崩壊（爆）を経験せず、lessonや本番に臨む事になったりします。

そうすると、緊張と相まって、一番起きてほしくない時に限ってその瞬間思っても見ないミス、あるいは経験した事の無い破綻が起きる事があるのです（爆）

今日の記事にはこっちの状態の方を俎上に載せたいかな。

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家では「ちゃんと」弾けたのに先生の前とか本番になると、訳判らなくなるという経験はありませんか。

それを、「本番は何が起きるか判らないものだ」と単純に格言にして良いものでしょうか。

確かに本番というのは自分の家とは様々な点で環境が違うので、様々予期せぬ事が起きるのですが、そのミスの中には、ひょっとして準備の仕方によっては例え、初めて弾くものであっても、「本番に強くなれ」とかいう精神論を振りかざす以外に、もっと段階を重ねて積み重ねて行く事があって回避しうる方法がないのでしょうか。

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ちょっと脱線しましょう。

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とここまで書いて、あまりアクセスの多くないこのページに最近大上段に振りかぶって妙に思索的な事を、しかも文章力が無く、だらだら書いて誰が読むんだ、しかもこんなこと楽しいと思う奴がいるのか、というもう一人の自分のささやきが聴こえました。

プロの物書きじゃないのだから、自分の考えを整理する上では、本来この時間本来は練習すべきだし、確定申告も準備を始めなければいけないのだけど（爆）、3/4（日）に、習いにくる人たちの発表会が龍谷寺であるし、毎回思うが、「なんか巧く行かないで終わった」と思う人がいないよう（そりゃ無理だと思うだろう）にするにはどうしたら良いか、そして自分に取って、自分を奮い立たせたものは、数少ない「成功体験」だったわけで、それをどうやって出演者に経験させ、本番に対する恐怖や、本当の意味でリラックスして楽しんで演奏し、心を解放させる事ができるか、こんな僕でも考え居るのです。

だから、覚え書きとして公衆に発信（誰も読んでないとは思うが）する責任のある所に書き込んで後で間違えたと思う所は書き直せば良いと思って書いてみているのです。

そう、そこが本として出版するのと、このBlogとの最大に違いだね。

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話を戻します。

僕はlessonに於いて、「良い間違え方」と「悪い間違え方」があると良く言います。

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前者は、次の音型がちゃんと頭に浮かんでいて、それを掴みに行っているけど、体が萎縮していたり、手の準備が遅かったり、逆に勢いづいちゃって外す、というものです。

あと、演奏に夢想しすぎて、ちょっと心が気持ち良くなりすぎて、現実はぐちゃぐちゃということもあるのですが、まあ、これも批判されるべきだけど、今日のテーマではないので、これも良しとしちゃいます。

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では、「悪い間違え方」は何かというと、初めて弾く曲でもないのに、次の音がまったく判らなくなって立ち往生したり、止まらなくてもあまりにとんちんかんな音を掴んでしまう事です。

つまり、その瞬間、頭が真っ白状態。（これを英語ではBlack outというんだよな、正反対（爆））

なぜ、何回、何十回、も練習したはずのに、頭が真っ白になるのでしょう。

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聴いていて本来と違う音が鳴ったとたんに、その人の演奏の価値を見いださない人にとってはこの話はここでおしまいですが、pianoを勉強中で、自分の進歩について迷っている人たちに取ってはこの区別は実は、同じ間違いでも全然違うと思うのです。

この二つのミスの区別に着いては、客観的というより主観的なことだし異論も沢山あるでしょう。
しかも、そのミスについては、演奏した人の「つもり」と聴いている人の感想は全く一致してない事の方が多いかもしれない。

今回の記事は聴いている人の印象については言及しないつもりです。

あくまで、弾いている人で苦しんでいる人の道しるべになることを考えたい。

二つ目のミス、つまりまったく訳が分からなくなって往生してしまう状態というのは練習の仕方に原因があることがあります。

反復練習をしているときに、巧く行った時点ですぐに、出来たと思って安心してしまうのが危険なのです。

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それが例えば、4回くらい弾いたら出来たとしましょう。

そのまま続けて練習すると、前述の通り、きっと油断したり、ある意味訳判らない間違え方をする段階が、たとえば、7回目くらい（回数に意味は全くない（爆））に襲ってきます。

或は、巧く弾けた（暗譜出来た）と思って、飯を食いにダイニングに行き、戻って来てやるとまったく出来なくなっている事も。

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「練習量は嘘をつかない」とスポーツでも演奏でも言われますが、なんで沢山練習する人が最終的に結果を出すかというと、その反復の間には、「起きるべきな間違いをすべて経験するから」だと思うのです。

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練習で間違えると、自分自身に腹を立て、自分を呪う人が如何に多いか。
それがあまりに日常的になると、つまり、すこし進度が進むと必ず訪れる「壁」がそれだ。

本当に平易だった初歩の頃に比べて、すぐには弾けなくなる段階でだいたいの人はそれに我慢出来なくなり、やめちゃったりする。

で、幸運にも続けて来た人でも、間違える事で腹を立てるという考えを持ち続ける人は、ピアノを弾く楽しさよりも、なんか周りからやらされて来た延長で、決して楽しんで弾いている様には見えない人も多いし、間違えたことを何も振り返らないから、逆に間違える事に萎縮してしまう演奏になって居る様な気がする事が多いです。

もちろん、僕にもそういう気分になったことがあるからよくわかるのです。

そういう時はミスして振り返ったとしても、それは「畜生」で済ましてしまう（爆）

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違うのです、間違えてみて何がいけなかったか「明確に見ると」正しい方法があぶり出されてくるのです。

妙な書き方をしますが、自分の予想と違う間違いを本番ではなく、練習の段階で出来たことを喜べ、とは言いませんが（爆）、人間、物を覚えるのに、ミスしないと覚えなかった事って今までも遠心力を体で感じるには自転車で倒れないと解らなかったとか（爆）、無数にあったんじゃないかな、ということを主張したい。

だから子供は一度倒れると、急カーブではブレーキをかける事を覚えるのです。

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ゆえに、失敗したら、やっぱり喜んで（爆）、「ああ、こういう事が起こりうるのだ」と、手が先に行きすぎたのか、手の準備が遅かったのか、ここだと思ったら隣を弾いていたのかとか、無数に頭のノートの中に書き込める事例が増える事じゃないですか。

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僕はあまり暗譜に苦労はしません。

そう言うと、僕は、すぐに弾くと覚えると思っている人が居ます。

違います。

確かに全く覚えられないと言う人に比べたら、その辺は少しはアドヴァンテージがあるとは思うけど、その方法は、弾いている間に覚えたと思った後から本当の暗譜が始まるのです。

何度も弾いている間に、そのうち違う音を必ず弾きます。

耳を澄ませてその間違いに気づいたら、正しい音が逆にはっきり目指す音だと認識出来るし、似た様な所で違う音型があったら、最初の場面で覚えて、次にちょっとだけ違ったら、それを覚えている時に、前の似た所をもう一回見直すとその区別で覚え直さないと駄目な時もあるし、こんがらがったら、それこそ、電車の運転手さんの様に、その場所に来たら気をつけるべき事を声に出して確認して弾けば良いし、本来は歌いながら弾くべきです。

あらゆる情報を駆使（この音型、あるいは和音は黒鍵だけだとか、音楽の構造を分析して覚える事やそりゃ耳からだけじゃなく、視覚や論理すべて）して覚えます。

それは、ミスしないと違いが解りません。

だから、練習は如何に出会うべきミスを全部経験するかどうかだと思います。

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小さい頃、作曲家だった親父に、反復練習の際、間違いが二回以上続くと、「今は間違えた事を正しい事より沢山練習してしまったのだから、正しく弾ける回数が少なくともそれを上回らなくては先に行っては駄目だ」と叩き込まれた事がありました。

ケロヨンという児童向けのカエルの主人公の番組がやっていた時期でもあり、同じ場所を「4回間違えずに弾けなければ最初に帰る」練習をなぜか「ケロ4練習」と言われました（爆）

不器用な子供であった白石准にとっては4回というのは結構克服出来ない回数でした（爆）。

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長年おつきあいしているTrumpetの津堅さんとテレビの収録をした時、彼が若い頃、もの凄く不本意な演奏をある曲でやってしまって、何年も経った後、そのリヴェンジをするチャンスが来て、その時は、「上手にそこを吹けたときだけ、線を一本書いて、正の字を書き続けて、一日100回練習した」と言うエピソードが語られました。
（本番ではその無数に正の字が書かれた紙を燕尾服の内ポケットに忍ばせて、その数分の部分の為に立ち向かったという感動的な部分もありました。）

100回の成功した他には原因がはっきりしているミスや予想外のミスももしかしたらその回数と同じぐらい或はそれ以上あったかもしれませんが、単純に100回吹けば上手になると思うでしょ？

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僕も子供の頃のケロヨン練習を思い出し、津堅さんのエピソードの真似して弾けない所を、カウンターを買って来て頑張って練習してみましたが、相当沢山弾いてばててきたなと思ってカウンターを見たら37回しか弾いてなかったので、やっぱり100回というのは並大抵の努力ではないと改めてため息をつきました（爆）

でも久しぶりに（じゃ困るな）ハードな課題を自分に突きつけて練習してみたら、不思議な事に、翌日同じ箇所をまた弾き出すと、最初のうちは昨日あんなに弾いたのにと思うくらいの不出来なのですが、すぐに前日の15回目くらいの水準に戻れるのですね。

何よりも違うのは、前日の最初の頃の自信の無さ、という心理が吹っ飛んでいる事です。

そして、まだ本当の意味の自信はないけど、この練習を続けて行けばきっと、そのうち今の数倍の余裕がこの場所を通り過ぎる時に出来るだろうという確信が生まれてくるのです。

この歳になってそれに気づいたわけじゃないけど、昔感じた時よりもなんか肉体的に衰えている部分があるだけに、技術が向上すると若い頃できなかったことが出来た気になって嬉しさが倍増します。

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もうBlogの記事としては長過ぎる状態になったので、そろそろ終わりにしなければ、、、。

音楽の中身に対する理解とか解釈とか、人を感動させるにはどうしたらいいかとかもっと大事な事は楽器を弾く上では考える必要があって、こういう段階の記事ばかり書くと、僕が技術至上主義だと思われてしまうかもしれないが、技術と哲学は、表裏一体のものであるから、本来は分けて考えたくはないのです。

ハードディスクにデータを記録する様には、人間の脳に一回仕込んだ事がすぐに正確に反復出来る様にはならない。

でもいつでも同じデータが再生されるコンピュータとは違って、仕込んだ技術はどんどん向上するし、その間にとんでもなく素晴らしい着想が伴って表現される時もあるわけだけど、それは常に、心が表現する事に向いてないと出来ないと思います。

つまり、最後になるけど、正確に弾けてから、表現の事を考えるという言葉を習いにくる人から良く聴くし、手順としては一見棒読みから初めている様な気がするけど、表現するために技術の選択肢の中からいろんな事を駆使して音にするのであって、ちゃんと弾けたら表情が着くというのは、幻想に過ぎないと思っています。

正確に弾くにはどうしたらいいかは、方法論がしっかりしていて、その人の肉体的な条件と合致すれば十分教育出来る確信があります。

その上でその演奏に面白みや感動を感じる（誰が？自分？客？それは面倒から言及しない（爆））ようにする事は例えを交えて教える側がそれを知っていればほのめかす事が出来るかもしれないけど、機械的な技術の事の様には、伝わる確信はないし、やってみせてもどこまで通じるかわかりません。

じゃあ、教える側は何をしなきゃいけないか、ここまで書いてなんだけど、それを考えている毎日で、なにも結論は無かったのです（爆）

逆に解らなくて悩んでいる弟子が居るからこそ、こっちがやり方を気づくかもしれないし、僕が感じた事の無い物を習いに来ている人が表現出来ている事も沢山経験しました。

結局、これだけは言える。

一人で苦しんでもだいたいの場合は解決しないということだ。

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また脱線した。

題名のゲシュタルト崩壊はどこに行ったのかと突っ込みましたね、あなた（爆）。

もう何度も書きましたが、反復練習をしている間に、「弾けていたものが訳解らなくなる」くらいあらゆる間違いの可能性を経験して強くなるという事です。

ああ、凄く面白みの無い文末になりました。すみません。

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習いにくる人も頑張っているから僕も仕事じゃない部分で頑張りをみせようと、子供の頃に初めて弾いたBachのFrance組曲が3番だったのだけど、それを最近、lessonに来る人の前で何度も弾いています。

面白いのは、生徒の前で弾くというのは自分じゃ模範演奏というつもりじゃないので、あまりいい気分ではないのだけど（爆）、もう今日で5回目だったのだけど、変な意識がなくなって、自分の中では上手くなって来たぞという実感があって、子供の頃弾いていた時はこんな風に聴こえてなかったとか、色々思いました。

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世の中にはいろんな仕事があるけど、僕の仕事は、子供の頃にやっていた曲を未だに弾いているということがあって、そんな職業ってあまりない様な気もするので、それは幸せな事だと突然思いました。

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それと、職業音楽家がアマチュアと決定的に違うのは、練習じゃなくて、同じ曲を何度も本番で弾くという経験ができるということだね。

だから、いつも書くけど、発表会での失敗はたった10分程度しか弾いてないのだし、上手く弾ける方がおかしい（爆）くらいに気楽に思った方が良いです。

機会があって少なくとも20分以上弾いていれば、そのうち雰囲気に飲まれていた自分を取り戻せるし、同じ曲を何回目かに人の前で弾くと、最初の時とは違うことははっきり自覚できるはずです。

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あ、ロンドンオリンピック最終予選のU23のサッカー日本代表のマレーシア戦が始まってる時間だ。

それは今日の記事はこの辺で。

最近普通の地上波のテレビが全く面白く思えないので、サッカーの試合やスポーツやニュース以外は好んで観なくなった。

テレビの前に居るとき最近マイブームなのが、ケーブルテレビのスポーツ中継やヒストリー・チャンネル、ナショナル・ジオグラフィックやアニマル・プラネットなどの、専門チャンネルだ。

この間、スキーのジャンプの中継で、これこそ「解説」だなと思った説明の中で、ジャンプ台から飛び立つ前の滑走している状態の時、如何に体重を台に伝えて、最善のタイミングで踏み切るかという事が大事だと言っていた。

初心者のピアノを演奏を見ていると、まるでPianoの鍵盤がMarinbaやXylophoneのそれと同じように、鍵盤の表面に思い入れをしているような人が居る。

Pianoのそれは、そこで音が鳴っているのではなく、それを動かして弦をハンマーに打たせているわけだから、鍵盤そのものはマレットや撥と同じものだから、それに触れた瞬間から約1cmくらいの深さを押し下げている間に遣ることですべてが決まるわけで、空中から鍵盤の表面までのことはほとんど音には反映しない。

素人が観ても解らないのだが、選手によって、ジャンプはスキーの面と接している台の雪を捉えるのが上手い下手があるらしい。

もちろん、飛び出す角度や、空中での様々なことも在るだろう、そして、あの競技はすべての選手が同じ条件で飛ぶわけじゃないから、風の運によって結果が左右される博奕なのだが、面白かったのが、最近レギュレイションが変わったらしく、SKIの長さが短くなったらしく、それに伴い、ある選手は筋肉量を増やしてジャンプの力を増すことを考え、ある選手は軽くして空中で風に持って行かれるようにしたりと、実に興味深かった。

結局すばらしい演奏をしていれば、弾き方なんてどうでも良いところはある。

でも上手く行ってないと弾いている人が自覚しているなら、そのどこがいけなくてどうすればいいのかアドヴァイスするときに、僕はスポーツのたとえがとても便利に思っています。

ゆえに、僕のピアノ技術論には、音楽の世界で習ったり試してみたこと以外に、サッカーも、相撲も、野球も、バスケットも、そして先日からスキーのジャンプも、スポーツウォッチャーとして様々な解説や、トレーニング方法、怪我の際のリハビリの仕方など、すべて門前の小僧状態でテレビや読み物から得た「知ったかぶり」状態（爆）を自分の経験に当てはめて咀嚼したもので成り立っている部分もあるわけです（爆）

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そして大前提のことは、上記の事は、もっとも大事な、精神的、音楽的に考えている事には触れていないから、単に体操の様に動体視力（聴力）が向上して「良い音楽」が出来るという結論ではなく、「良い音楽」をするための手段というか、前提というだけの入り口の話である。

教えていて、「とりあえず、音を掴む事に終始したからまだ音楽的には、、、」という「言い訳」に近い事を良く聴いたりするのだが、本当は書いてある音を書いてある通りに弾く事と、「何を表現するか」ということは、段階を経て行う事ではなく、同時に考えていかないとだめだと思うのだがなかなかそれは判ってもらえない。

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一個前のこのジャンルの記事の中で、「ピアノを弾く事を訓練するにはピアノを弾くのが良い」という趣旨で書いて、「握力の訓練でパワーをつける」事に自分は疑問を持つと書いた中で、砲丸投げの室伏選手などの「他のやり方を模索するトレーニング」に興味を持つと書いてある箇所から僕の意見に矛盾を感じる人もいるかもしれないと思ったので、この記事に加筆しておこう。

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右利きの人にとって、左手の運動能力はやはりハンディを感じるものだ。

もちろん、左手を良く動かす曲の素材を沢山練習する必要があるとは思うが、たとえば、箸や歯磨きを左手でやってみることはどうだろう。

自分は高校時代右手を突き指した時に否応無しにそういう生活をするはめになったし、右足を折ったときには、左足でピアノのペダルを踏むはめになった。

おかげで何もそういう訓練をしてない人に比べたら凄く器用にそれらのことを左手で出来る様になった。

で、僕がlessonするときに、相手に何と伝えるか。

「左手で箸を使うと、役に立つかもしれない」という。
「これで左手が巧くなる」とは全く言えないね。

まったく結論にはなってないがその通りだ。

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以前、人形劇団の為に曲を書いていた時、稽古場に言ったら、まだ周りの人たちからするとキャリアの浅い、しかも小柄な若い女性二人が腕にウエイトを巻いて生活しているのを見て質問した。

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「なぜ腕にウェイトを巻いているの？」

「今までの作品で持っていた人形と違って大きいものになったので、私たちは腕力が他の男性たちと比べて弱いからこうやって鍛えているのです。」

「なるほど。」

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このやり方は、一見僕が箸の例を持ち出した事に似ているように思ったが、こうも考えた。
前の相撲力の記事で書いた通りの事だ。

「人形を遣って半日の練習に耐えているおじさんたちは確かにあなたたちよりは腕力はあるだろう。しかし、ここに体育会系の人たちが、つまりそのおじさんたちよりも筋肉の強さがある人たちを連れてきて同じ事をさせても、きっと10分、もしかしたら5分も持たないで根を上げるのじゃないかな」と言ってみた。

それは、pianoを弾いた事のないそういう人たちに、HANON（Pianoの世界に疎い人に言うと、これはPianoの練習曲の一つで、単純な恩恵を何十回も繰り返すような、いわゆる「素振り」みたいな、楽曲ではないある意味拷問の素材（爆））を無理矢理弾かせて前腕がどの時点で痛くなるか試してみる事と同じ意味だ。

きっと人形を遣う事に、表現力に悩む以前に、ずっと持っていられない事を克服するには、人形を持ち続けないとだめなんだと思う。

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その部分で、Pianoを8時間くらい弾き続ける体力は、Pianoを弾き続けないと「省エネ」で弾く技術を見つけられないということだ。

そう、Pianoを弾く持久力は、「強い筋肉に支えられるというよりは、如何に力を使わないでちゃんとした音を出すか」という逆の事だからね。

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だから、人形遣いの初心者やPianoを学ぶ人がウェイトの負荷で鍛えようと思ったり、自分が疲れるのは、筋肉が無いからと思うのは、前の記事に書いた様に、違う種類の筋肉だと思っているので、やっぱり単純に強くしようと思う訓練には穴があるような気がする。

もしかしたら敢えてそういうトレーニングを巧く取り入れるのならば、よっぽど意識のピントをはっきりするなら、良い結果に導くことが可能なのかもしれない。

毎回、自分の考え方を書いていて最後に、それを全否定する様な事象を書くのが好きな僕なのだが、だって、かつてFocusという雑誌があって、PianistのMartha Argerichが来日していたときに、楽屋をほとんど盗撮したような記事があって、そこには、本番前に鉄アレイを持って腕を上下する彼女が写っていたから（爆）

でもあんな事をするのは極めてレアなことだとは思う。そう思いたい、ええ、そうに決まっている（爆）

まあ僕はlessonをするのに、片道12km弱自転車に乗って、少々の坂道をはあはあ言って八王子のお寺に行く事が多く、着いたばかりの状態は、腕がピアノを弾く状態になってない事が多いのだが、ある意味力が入らない方が楽に弾けちゃう時もあるので、そういう意味があるのかなともちょっと勘ぐってみるが（爆）

アルヘリッチの魔法については何も想像出来ないです。

ウェイト・トレーニングをしすぎた結果、潰れてしまった野球選手を知っている。
でも、今ある技術は、ウェイト・トレーニングに支えられて出来ているという結果もあるかもしれないし、僕はスポーツ生理学の専門家ではないので、何も断定したくはないが、自分の中では、結果につながるかは凄く微妙な事だが、左手で箸や歯磨き、もしかしたら、文字を書く事などを訓練する方が、左手の握力を強めるために握力増進器具を使う事に一生懸命になるよりかは、悪い未来は訪れない様になる気がする。

ウェイト・トレーニングは体を壊す危険も同時にあるが、柔軟体操はよっぽどのことが無い限りやり過ぎというのは無いのと同じ。

ほら、「あっかんべー」を虎にされちゃった。

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余談だけど、「Pianoを弾くのに人並み以上に握力は必要ない」とここまで書いてきてぶち壊しになる一言かもしれないが（爆）、やっぱり肩を揉んでもらうなら、普通の女の人よりピアノ科を卒業した人の中にはものすごく強い人もいて、実に気持ちの良い時もあったなと思い出したよ（爆）

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では、ぶち壊しに対する反論を最後に一つ。

だいたいの女性は、懸垂や腕立て伏せを一度もできないという人が多いが、なぜ、子供を産むと、あの重い赤ちゃんを数時間抱っこ出来るのか。

きっとその重さの米の袋を持たせたら数分で嫌になるのだろう（爆）

写真と記事にはまるで関連性は無い様に見えますが、このコアラだって、木から落ちない様になんあらかのバランスを取っているのだろうけど力んでたら眠れないよな（爆）