青く光る脳/噴飯写真大百科

これは、身分の高い人達が被る帽子です。
権力の象徴を表しているらしいです。
このマニュエル・デ・ファリャの作品でも好色な代官様が被る帽子なのです。
http://ja.wikipedia.org/wiki/三角帽子

でも、一瞬思い出すのが、かのナポレオンの被っていた帽子ですね。
しかし、あれは、「二角帽子」だそうです。
http://ja.wikipedia.org/wiki/二角帽子

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そして、ついでにもう一つ。
音楽用語で、テンポが変化したり、停まったりしたあと、良く見かける、
Tempo Iという表記。
これは、曲の最初のテンポに戻せという意味で、通常は、「テンポ・プリモ」というイタリア語で通用しています。

しかし、この間、オーケストラの仕事でドイツ人の指揮者は、その箇所に来ると、もちろん練習はドイツ語では無く、英語でやっていたせいなのでしょうが、テンポ・ワンと言っていたのにびっくりでした（爆）

たしかにそのまんまなんだけど、、、もしかしたら、「テンポ･ファースト」の方がしっくりくるような気がするんだけど、それを知っていて、文字は1を意味するから敢えて言っていたのかなあ、、、学校で習わない発音の音楽用語は現場に出ると沢山あります（爆）

意外と「そうか、、」と思う使い方は、メヌエットの様に、楽曲の部分が二種類対照的なもので構成されている曲の場合、二番目の場面が終わると、「頭に戻って」第一の部分を演奏して、終わるという結局は三つの部分になってできあがっているのですが、そういう場合、全部が譜面に書かれて無くて、二番目の部分が終わったところに、良く、D.C.と書いてあります。
これは、DCカードを意味するのでも無ければディオール･クリスチャンと日本風に外人の名前を表記したものでもなく（爆）、“Da Capo”というイタリア語の省略で、“capo”は「頭」だから、“from beginning”という意味です。

で、練習をしていて、頭に戻りたいときに、良く、from beginningと言う場合もありますが、楽曲に書き込まれている「記号」という意味では無く、そのままda capoと言う場合もあります。

ああ、こういう使い方もあるんだなと、初めて聞いたときには思いました。

ffをダブルフォルテと言うから、fffと書いてあったらトリプルフォルテですよ、フォルティッシッシモと言うよりはなんか簡単で良い（爆）だって子供の頃、「シ」を何回言ったか判らなくなりそうだったから（爆）

Pianoを教えて居る先生の多くが、生のPianoで育った世代です。
もちろん、生じゃ無いと伝わらない「音響の喜び」はあるから、それをベースに音楽観があるのは良い。

でも現状、生徒の多くが、家に電子ピアノしかない環境を「近所迷惑にならないための楽器」としてしか考えようとしないのが本当に残念。

生の楽器では実現できず、MIDIを備えた楽器でのみ実現可能な教育があるのに、先生達は「機械に弱い」という金科玉条の下にそれに目を向けようとしない場合が見受けられます。

Pianoだって最初弾き始めていた頃、何も出来なくて、「未来を見据えて」色々な事を知ろうとして成長していたはずなのに、Computerは若いひとのもの自分には難しすぎるという言い訳は、何も知らない子供に一からPianoを教えて居る行為と矛盾するように思えてなりません。
段々覚えて使える様にしたら面白くもなるし、武器にさえなるのになあ。

電子楽器は、電子オルガンの人達や、ロックをやる少年少女達のものだけではないはずです。
twitterやfacebook、メールだってもうスマートフォーンやComputerと生活を切り離すことができなくなっているのだから、なおさら、僕がセミナーをしていた十数年前よりclassic系の教育に電子楽器を有効利用して欲しいものです。

追記の内容は、昔、ほとんど同じ気持ちで詳しく記事にしました。

もちろん、若い頃、ある本番で、「良いperformanceができて、思い出深い共演だったな」、と思う事があると、今後この場で僕は仕事を持続的に展開することが出来るかも、という期待を持ちがちだったのだが、大体、そういう期待はもろくも崩れるものでした。

期待とか予想というのは、当たる事もあるけど、外れることの方がもしかしたら多いので、ある年齢から、共演者や主宰者にとても親切にしてもらっても、「一期一会」なんだ、と思うようになりました。

だから、なおさら、トランペットの津堅直弘さん、そして横浜の牧野ヴァイオリン教室とは、もう20年を超える共演を続けていること、そして、山猫合奏団の楠定憲や高山正樹とは30年以上も続いている事には素直に感謝しなければ罰が当たると思う今日この頃でした。

天上の音楽、MozartのOboe協奏曲を自分で吹きながら指揮をし、次に初期のドイツロマン派の屈折度といったら軍を抜いている濃さ満載と書くと、いかにも僕が屈折しているように思われちゃうけど（爆）、大好きなSchumannの交響曲を。

Mozartに関しては、あまりに難しいことを簡単にやってのけるので、圧倒されまくりでした。
本番直前のrehearsalでは、客席に次の曲を演奏する人たちが多数居ましたが、僕も聴衆になって固唾を飲んで聴き入りました。

そして、後半の最初には、1980年代に書かれた彼の自作の「音のかけら」というすばらしい作品。
題名通り、orchestraで出しうる、あらゆる美しい音の塊の集合体の様な音楽でした。
特に最弱音の中に様々な楽器の出す、そう「耳を澄まさないと聞こえない音」みたいな空気の中に居るとぞくぞくしました。

その曲で僕はpianoのパートを演奏しました。
（最近は若い頃に比べたら多くないけど）幾多の現代音楽を弾いてきて、今回、彼の指揮で弾いたという体験はまた大きなエポックになりました。

そして、最後はまた全然傾向の違う、音の花火みたいな、でも美しいのだけど、グロテスクな香りのするウィンナ・ワルツという部分も満載のフランス近代のRavelのLa Valse。

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ホリガー氏の作品については、初めて聴く人に撮っては、「いい大人が、まともに、普段楽器として出す音じゃ無い特殊奏法もの満載で、よく恥ずかしがらずに、『滅茶苦茶な悪戯』をしているよな。」と聞こえたかも知れません。

しかし何というのか、とにかく不思議で繊細な音がするのだけど、こんなに気持ちの良いオーケストラの音の塊を眼の前にした感動は、武満徹さん以来と言うと大げさかも知れないけど、そう感じるくらい衝撃的な音楽でした。

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1985年の作品だけど、何が良いって、やっぱり「作曲家が指揮をして、自分のスピリッツを伝える事」に尽きることと、もう世界的にこの初演以来何度再演されているんだろうという、彼のオーラからくる、「熟成度」を感じたことです。

たしかに、かの偉大な武満徹（武満徹って誰？）さんは、確かにpianoを演奏したり指揮をしたりというタイプではなかったし、そういう作曲家の方が多い事を分かった上で、書きますが。

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通常、オーケストラで作曲家が生きていてその場に居る新作などのリハーサルの場合、もどかしくてたまらないのは、船頭が二人居ると言う事なのです。

指揮者が我々に指示をするのだが、その後ろには作曲家が居る。

で、指揮者はやはり作曲家を気にするから、「とりあえず自分の解釈でたとえばMozartなどを振るのとは違って、タクシーの運転手の様に、まずは作曲家の要求に忠実に応えようとする」わけだ。

で、作曲家は様々な要求を、特別な場合を除き、オーケストラに直接説明することなく、まず指揮者に言って、指揮者はそれを二度繰り返しになりながら言う。

伝言ゲームをしているあいだに、言葉のスピリッツはどんどん薄まる。

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作曲家が指揮を出来なければいけないというのでは決してないのだが、今回のホリガー氏は、元々不世出のオーボエ奏者なわけで、指揮はそれに比べたら職業指揮者にくらべて突っ込みどころはあるかもしれないが、全身、そしてその口調から湧き出てくる、「息まで音楽をしている感」は、やっぱり「通常の指揮者」とは一線を画す。

自作じゃ無い作品を振っていても、「自分が書いたかのような気にさせる」感というのが満載なのだ。

自分の曲で欲しい音を説明するのに、口で楽器の真似をするのだが、それが面白すぎるほど「楽器」、或いはperformanceになっているのです。

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そう、つまり、それぞれの楽器はほとんど、「特殊奏法」といって、pianoで言えば、鍵盤を普通に弾くことより、弦をはじいたりばちで叩いたりすることが圧倒的に多かったので、本番聴きに来てくれた知り合いの人たちは、「あれはpiano演奏じゃないね」とかそれに類することを異口同音に言っていました。

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もしかしたら、僕がばちで叩く行為などは、ショパンの難しいパッセージを何回も何回も反復練習して、完成したものと同じではなく、ある意味「ふざけて」とは言わないまでも、何処をどう叩いても、「試行錯誤なしに」成立していると思われたら残念に思えてなりません。

今回の曲では、立ち上がったり（鍵盤じゃ無い所を弾く時がほとんどだからそういうときは、立って居た）、座ったり（普通に鍵盤を弾くとき）するときも雑音を立てないように気を遣いすぎると、すぐ次に弾くところが通り過ぎてしまったり、全体を通じて、静寂に近い部分が多くを占めていたので、実に繊細な音を出す必要があり、鳴った音を停める行為にも細心の注意を払うわけで、右のペダルを分で音を響かせたから、通常の奏法の様に、ペダルを元に戻せば音が消える、というしろものではありませんでした。

どういうことかというと、低音弦を続けて叩いて居ると、次第に弦の振動が大きくなり、ペダルを元に戻すと、びりびりびり、という雑音がしてから停まると言うことが多くなり、その耳障りな音を出さないために、弦の振動を足（ペダルの操作）で停めるのか、手も添えて停めるべきか、もこもこのドラを叩くばちで叩いているので、それを弦に押さえつけた方が良いのか、ペダルを上げるタイミングをずらした方がいいのか、そもそも、弦の何処の位置を叩くべきか、考え出したら、様々な可能性から選ぶ必要性、そして、ばちのコントロールにも技術が要ります。

そして僕が苦労してそれを探っていたら、そばに居た優しい打楽器の人がやってきて、ばちが弦に当たる角度の工夫とか、その他にもばちのコントロールに実に有用な「Lesson」までしていただいて、本番直前だったけど、新たに見つけた事を、本番にやったわけで、決して、指揮を見たり、譜面を見てカウントをする事だけが難しいのでは無く、古典音楽を弾くのと同じ繊細な神経と試行錯誤が必要な「奏法」なのです。

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しかし、実はそういう手法・奏法は、半世紀以上前から存在して居るし、自分の環境は親が作曲家だったという事で特殊だったかも知れないが、そういう音（内部奏法）をpianoが出しうるということを小さい子供の頃から観ていたし、自分でも、一人っ子の遊びとして（爆）、当時流行っていた「鉄人28号」の戦闘シーンを、口で実況しながら、カタストロフの音を自分でpianoの中を叩いたり引っ掻いたり叫んだりしてやっていたから、鍵盤を弾くのがpiano演奏だという風には最初から思わない育ち方をしました。

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極端に言えば、「上手に弾ける様になること」や「難しい曲を弾けるようになること」ということにも普通のpianoを志す子供と同じで憧れは勿論持って居たが、pianoを触るのは、そういう技術の向上の喜びだけじゃなくて、自分としては、「他の楽器より面白い音が沢山する気がするじゃないか」という気持ちが強かったのかな。

だから、指を速く動かす訓練にはすぐに飽きてしまってこのていたらくになっているのだが（爆）、子供の頃習っていたらとても偉い先生が僕に残してくれた名言として、座右の銘に近く思っていること、それは、
「pianoを好きになるというより、音楽を好きにならなければならないよ」というアドヴァイスでした。

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ということは、特殊な音が聞こえると、「楽しくなっちゃう」のが子供心にもあるし、作曲家も面白い音を探すから、それは鍵盤を普通に弾くという行為だけでは無く、ルールを拡げてやった結果にすぎないから、「あれはpianoの演奏では無いね」というのは、古典的な意味では正しいように思うけど、pianoというものが打楽器であれ、鍵盤楽器であれ、「楽器」なのだから、面白い音を出す可能性が多い事は魅力的な事だともっと皆さんに気づいて欲しいものです。

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ここで、ますますホリガーのconcertから話題が脱線しちゃうけど、かつて、pianoという楽器が産まれた当初から、楽器の進化、成長がはじまった中に、実は、ベートーヴェンの頃の試作品の楽器には、ペダルが7本も着いているpianoが存在しました。

それは、新しいpianoという楽器が「様々な音響を生み出す楽器」として効果音的なスイッチとしてペダルが考えられたのです。

その中には、まるで現代音楽の素材のように、パラフィン紙みたいなものが弦に押しつけられてべちゃべちゃとした音が鳴るものもあったようだし、ドラムセットの様に、太鼓やシンバルが付属で着いていたものもある。

それを考えたら、どうだろう、18世紀の昔から「一つの楽器でいろんな音が出た方が面白い」という考えは、今の現代音楽と同じようにあるわけです。

聴衆の多くには、「滅茶苦茶」あるいは、「前衛」と思われているジャンルでの特徴的な行為に思われるけど、前述の様に、この間やった多くの「特殊奏法」は僕が知る限り、半世紀以上前から誰かがやってきたものであるし、逆に言えば、それらの奏法が、「滅茶苦茶」ではなく、凄く「当たり前に要求としては大昔から存在して居た延長線上に在る」事と理解して欲しいなと思うし、すべて存在して居た音が、「普通に演奏しても面白くないから」というネガティブな動機ではなく、「純粋に楽器の可能性をあらゆる方向で考えて出てきた結果」というポジティブな音に聞こえた事が楽しかった理由です。

言い方を変えれば、「凄く新しい音楽」ではなく、凄く「成熟した古典的な音楽」に聞こえたのが嬉しかった。

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思うに、「現代音楽」というのが「クラシック音楽」とは別に存在して居るのではなく、僕に言わせたら、その違いは、根っ子は同じでもJazzとRockが違うジャンルになったものに似ている程度のものだと思っています。
だから、現代音楽の方が、クラシック音楽の中で育った人はそのままできるわけで、Jazzだって根っ子はクラシック音楽にもあるけど、よっぽど僕がJazzをやることの方が「特殊奏法」だらけになってると考えた方が早い。

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話をホリガー氏のリハーサルに戻しましょう。

やっぱり、最も特殊奏法にある意味「苛まれていた（爆）」のは、木管楽器群のみなさんです。

で、面白い事は、自分で吹けちゃうマエストロが、説明しても上手く伝わらなかったり、奏者が慣れていなくて期待した音が出てないと、そのまま指揮台を降りて、そこのところにいって、やって見せちゃうのですよ（爆）
professionalの演奏家達だから、ある意味、みんなの前で見本を示されてしまうことは、屈辱的な事なのかも知れない。

でも、僕は思った。
彼らの楽器、「ホリガーが吹いたんだぜ」ということになるじゃないか。

で、難しいことが判るから、他の奏者の誰も、“セロ弾きのゴーシュ”の最初の練習の場面の様に見て見ぬ振りとか、言われた当人が脂汗をかく様にはなってない（僕は相当緊張して、ちょっとゴーシュの気分にはなっていたけど（爆））。

笑い声と上手く行ったときには拍手が続く練習で、あんなに、特殊奏法だらけなのに、なんて楽しそうな時間なんだろうと思いました。

確かに、これを一回きりしか聴かなかったら、やっぱり「何をやっているか判らない変な、それも音楽以前の音響」にしか聞こえなかった可能性は大きいでしょう。

ここが音楽家の得な部分だけど、三日間の練習で、何度も通して聴いていたり、部分部分をあるセクションだけ聴いていたりすると、「耳馴染みの曲」にどんどんなっていって、「何も偶然に起きている事」がないことが判ってきます。

だから、僕にとっては、Mozartを愛す様に、この曲もとても「良い曲だ」と何度も聴いている間に思うようになりました。

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もちろん、団員の中には、こういう音楽に対してとても否定的な考えを持っている人が居ることを僕は知っています。
でも仕事で弾く事と、自分の趣味というのは、現代音楽に限らず、僕だって有名な曲で聴衆の多くが好いている曲の中にも、仕事では弾かざるを得ないけど、どんなに拍手を貰っても自分からそれを弾きたいとは思わない曲もあるわけだから、それと同じ。

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翻って思い出すと、若い作曲家達の新作のリハーサルの時は、結構演奏家達は、特殊奏法を要求してくる作曲家に敵意剥き出しの事が多いのです。

作曲家の方も、自分が奏者じゃない場合が多いから、その特殊奏法が、「特殊な演奏で鳴らした音が、演奏家の生理が気持ちよくなる事」を前提に存在するというより、単なる「自分の欲しい音の実現の手段」を冷たく要求しているように譜面から来るものが感じられちゃったり、意見を言うときに若いせいか尖って言うから、「そんなことしたら、楽器が壊れる」というブーイングになってしまう構図があります。

でも、長年、古典や近代の作品を素晴らしい演奏で彩ってきた実績と、作曲家としての情熱でオーケストラは彼に対して多大なリスペクトがあるから、かなり無理なことだと思うようなことも、ほとんど実現していて、ホリガー氏も嬉しそうでした。

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写真は僕が弾いた楽器の状態です。
そうです、譜面は写真の様に、鉄骨の上に置いてあります。
譜面台は外して演奏しました。
で、時々座って鍵盤を弾かなくてはならないので、もう一枚元々練習用に貰っていたコピーの譜面を、この写真では映ってないけど、手前右に置いておいて、座ったときはそれを見て弾いていました。

指以外で演奏するのに使った物は、大きなドラ（実際に僕の後ろに居た）を叩く大きなばち（マレットというべきか）、もこもこの柔らかい素材が外側で中側はしっかり硬い素材でした。

それと、スネア・ドラムのスティック一本。
それは、この写真の手前側のピアノの調律をするときに、調律師が廻すチューニング・ピンの部分を手前からごりごりと凄いスピードでこする場面が最後の方にありました。

鉄骨を叩く時もありますが、変に硬いもので叩くと、鋳物なので鉄骨が割れたりヒビが入ったりすることがあります。
そうなると、ピアノは死にます。
今回はそういう奏法はありませんでした。

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色々貼り付けてある目印は、実は僕が着けたものでは無く、この演奏会の数日後、ホリガー氏のグループの室内楽の演奏会の為にピアニストが準備したものですが、鍵盤と違って、どの音の弦かはピアニストには判らないので、自分で目印を付けるものなのです。

このお陰で僕にとっても目印になってましたし（爆）、三枚目の写真の様に、付箋が貼ってある場所は、きっとそこを押さえて弾くところでしょう。
倍音の関係から、そこをおさえないと期待した音が出ないということは弦楽器と同じです。

これは、まだ「目印」に過ぎません。

僕が弾いた今回の曲には無かったけど、ちなみに、もっと面白い音を出す状態のピアノを、「プリペアード・ピアノ」(prepared piano)といって、弦の間にねじや他のものが挟まれていて、まるで、ガムラン音楽の打楽器の様な音がするセッティングもあります。

もしかしたら、三枚目の付箋は指を押さえる場所では無く、ボルトを挟むための場所だったのかもしれません。
僕が弾く曲には要らないので、そのピアニストが練習後外したのかも。
（プリペアド・ピアノ,Wikipedia）

つい、音楽の事になると、写真の記事より異常に言葉が多くなる（爆）
「自分の紹介」の事はどうでも良いが、音楽と向かい合う時、哲学とは言わないまでも、思索を伴って本番に臨みたいと最近になって特に考えているからかな。

まあ、だから、音楽の事を記事にしようとすると言いたいことが無数に出てくるので、最近は本番があっても、これだけ長くなると誰も読んでくれないと思うので、控えていたが、冒頭にlinkした記事のコメントに、concertについてはどうだったのか、というありがたいコメントが珍しく付いたので、それに答えようと書いたら、たぶんご本人も読むのが苦痛になるだろうというほどの量になってしまいました（爆）

以下は、山根さんのメッセージです。

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私は他の作品も一貫して、美術作品を作るかのように”音で模様をデザインする、音の造形をつくる”ということをしています。

例えば「水玉コレクション」というタイトルはDOT （水玉）の色や形、質感などを１つ１つ描き、
その模様や、現れては消える様を描くなど、タイトルがそのまま”何を描くか”という音像に繋がっていることが多いです。

勿論ただ水玉など無機質に形が描きたいだけではなくて、その造形１つ１つに色んな思いや感情を込めていますが、
聴く側に感情を押し付けることはできないと思っていて、ポップで毒のある造形、音像をいかに作るかに徹することで、
聴く人ごとにそこから色々なことを感じ取っていただければと思って作っています。
・・・というよりも、言葉で表すにははばかられるような（特にフォーマルな古典音楽の場では）、
人間の根底にある欲望をはじめとする、人間らしさを追求しています。

わかり易いところで言えば、便利な世の中にしたい欲望、戦争をして従えたい欲望、綺麗になりたい欲望、
大量生産大量消費大量破棄、魅力的な毒（放射能も含め）に溢れる世界。これを畏怖し、また同時に人間の性であることを見つめています。

そういった現代自分が正に生きている世界の尖った側面を音楽にしていきたいと取り組んできました。

戦後、私が生まれた時期はバブル経済で、ピアノを弾き日本古来の音楽のことなど何も知らずに育ったのですが、
特に震災後、日本という国に生きている若者の虚構感について色々考え、
西洋音楽の作曲をしている日本人の私って何だろうとずっと考えた結果、
西原鶴真という逸材と出会うことが出来たことも後押しし、琵琶とオーケストラという編成を半ば無理矢理実現させて貰いました。

ですので「ハラキリ乙女」において、琵琶は日本の少女、オーケストラは統制＆西洋化された現代日本社会という立ち位置でしょうか。

武満氏が「ノヴェンバーステップス」で”自然”の中に琵琶と尺八を存在させていましたが、
私はいかに人工的な大量のモノで溢れる日本の都会を描けるかを追求していました。
そして、華やかなお金の消費のマーケティング対象は女子が大半だと思うのですが、
その”女の子”を中心にし、物質的に豊かではあるが自殺の絶えない世界、
武士の刀ではなくカッターのような現代の鈍い刃で斬りつける質感＝琵琶、
（薩摩琵琶は武士の教養として発展してきたという経緯も掛け、）
そこから溢れる夢いっぱいつまった乙女の内臓＝オーケストラとして、描きました。

ただ、血なまぐささやおどろおどろしさだけが強調されがちなこの設定を、できるだけ表面は”プラスチック”に、
ビーズ等のキラキラした質感や、血の色もショッキングピンクで溢れるような、
そのようなことを強く意識して書きました。チェレスタの細かいパセージ等、キラキラしたビーズやデコレーションをイメージしたものが大半です。

ただ、「子供がふざけて弾くように」が理解できないと書かれていましたね。（そりゃ説明が欠けていればわかりませんよね....）
私の意図としては、乙女、少女の魅力の１つは、「イノセントで、傍若無人」であると思っているのですね。
これは子供の魅力でもあると思うのですが、
一見雑なクラスターだらけだったり、クラリネットの調律をわざと下げたり、というのは、
その傍若無人で無垢であるが故の残酷さを出したかったのです。

「いかに狂気を描くか」が私のこの曲における最大のテーマでした。

琵琶が空間を切り裂く、空間（オーケストラ）から段々傷が増えて、キラキラしたデコレーション（偽物の内臓）が飛び出す、ピンクの血が流れる、
それらを、ダイレクトに怨念的でない表現で、表面を綺麗にプラスチックで取り繕って音を書いている中で、イノセントに弾き殴ることで、
より異様な世界ができるかなと考えてのことでした。
以上がこの作品を簡潔に、曲げずに説明した言葉だと思います。

どうでしょうか.....これで何か多少なりともピンと来ていただけそうでしょうか。

ただこれを私の旦那さんに見せたところ、大人数のオーケストラ団員さんたちのうち人によっては受け付けないこともあり得る表現性で、
演奏拒否したくなる人も出るのではないか、と言われたため、
どこまでどのように説明するべきか、ということも躊躇していたのも事実です。

血や、内臓というのは、人間を機能させるための大事でポジティブなエネルギーに溢れたものだと思うのですが、
実際聞いただけで考えたくも無いという人も確かにいっらしゃいます。

また、指揮者に言葉で説明するだけではなく、
例えば、限られたリハーサル時間でもせめて興味を持ってくれる人には伝えられるように、
パート譜の最初にこのようなことがわかる言葉を書いておくとか、
そのような努力はできるなと、今回思いました。

実際の演奏指示記号だけでも、
もっと表現性についてわかりやすく書くとか、
色々私に出来ることは全部やった方がいいと思いました。

白石さんのこの記事、本当に感謝します。
そして演奏もありがとうございました。
「山猫合奏団」をされているのですね、
またどこかでお会いしたりご一緒することがあれば宜しくお願い致します！

山根明季子

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この鍵盤は何だろう。

たぶんだけど、電子オルガンのペダルのユニットだろうか、（犬用に作った分けないよね）。

だから、白鍵（この鍵盤だと黒いけど）の部分も隣とは隙間が空いているからなせる技なんだろうね。

猫踏んじゃったがハ長調だと難しいぞ、と前に書いたけど、それにしても、白鍵に降りるところも上手に間違えてないところがすごいよ、君たち。

犬の記憶力、その中でも、「メロディーを記憶する事」については、自分の実家のそばに居る犬が、17時に毎日なるサイレンの音楽が始まったのと同時に遠吠えを始めるのだが、メロディの最後の一小節あたりで、必ず止める。

鳴らなくなったから止めるのではなく、終わる事を知っていて止めている感じがするので、あの犬は完全にこのメロディを覚えているのだと思う。

だから、この子たちもこの曲は覚えているのかもしれないけど、やっぱり連弾しているところがすごいよ。

バットを振り回すとき、気持ちが先に行くと、どうしても、バットを持っている手首の部分がスウィングの途中で、バットと一緒に体よりだいぶ先に行ってしまうことが多いらしい。

打ちたい気持ちが先に行くものな。僕も子供の頃を思い出すとそうだったと思う。

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で、彼の言うには（複数の選手も言っていたが）、バットは先が太く重くなっているわけで、それを利用して回転するときの「遠心力」を使ってボールを打つべきだと。

つまり腕力だけではなく、バットのヘッドの重さをもっと利用しろということだ。

故に、降り始めから勢いをつけて体のほぼ中心になったときに、それ以上先に手首が行かないように、止める様にすると、バットの先は遠心力の反動で凄くスピードが出るから、その一番スピードが出た時点でボールを打つべきだと。
（もちろんフォロースルーの時点で手首は同じ位置には止まってないとは思うが）

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そうか、手首がそのまま前に出たら、そのスピードに比例した様な速度でバットが出るから意外とスピードはでてないことになるのだな。

たとえが「鞭のようにバットを使う」と言っていた。

指先でpianoを弾いているのだけど、時に上腕からの重さを上手く指先に伝えないと弾けない大きな和音とかのときに、手の先から力を入れて弾いたらそれこそ腕力がないと弾けないわけで、鞭の様に腕の根本（ねもと）からというと微妙に誤解されそうだけど、腕の重さを使って指の先に伝えられると「てこ」の法則で数倍になるはずで、それが「力」じゃなくてある意味引力や遠心力を利用しているわけだから、楽に弾くということに他ならないから、まさに、pianoを弾く時に考え方としては共通することですね。

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鍵盤の表面に思い入れを凄くする人がいるけど、鍵盤で音がでているわけではなく、鍵盤は太鼓でいうところの撥に過ぎず、それを使ってハンマーを放り投げ、その結果、慣性の法則で跳ね上げたハンマーが弦を売っているわけだから、実にバッティングに似ているところもあると思います。

鍵盤にどのように力を伝えるか、その一瞬で、音質は決まります。

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俗に音の綺麗な人と、汚い人が居ます。
個性的な音で、人によって気持ちよい音の差があるのは気にならないのですが、どうしてこんな不快な音を出して平気なんだろうという人がいます。

他の楽器と違って、同じ楽器でpianoを複数の人が弾くのを聴くと、弾き方によって同じ楽器とは思えない差があるわけで、文学的、感情的にどんなに素晴らしいimaginationを持っていても、やり方が悪ければ、根性だけでヒットが打てないのと同じで、思いとは裏腹に不快な音になっているのです。

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先ほどの野球のシンポジウムで、質問した子供が壇上に上がり、実際にスウィングさせて選手が助言をするのだけど、色々悪い癖があって、直されるんだけど中々すぐには直らなかったりする。

最後の助言。
「繰り返し練習しような、でも言われたことを検証するには、鏡を見たりこの助言を聴いた友達に見て貰って上手く行っているかどうか確かめてね。悪い練習をすると、もっと直らなくなるから」

練習は時に客観視しないと、何が悪いのかも解らず、返って悪い癖をどんどん付ける恐れがある。

だから、他人の助言が大事だし、それがなければ、スポーツのフォームなら鏡、ビデオや写真、我々音楽家は、録音して確かめる必要があるのだ。

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写真と本文は関係ないですが、まあ、たまたま映り混んだchoice!という単語が練習の仕方を選択するということに引っかけたつもりです（爆）

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声楽にせよ、器楽にせよ、心地よい音色と不快なそれがある。

訓練の過程で、たぶんすべての音楽家はアマチュアだろうがプロだろうが「良い音」を探しているはずなのだが、それは全く主観的なもので、何が綺麗な音であるかは、定義づけるのは困難だ。

理想はあっても、声楽家なら自分の声帯に依存する所もあるし、自分の楽器で演奏する人はその楽器の制約を受けるし、我々鍵盤弾きは、電子楽器でない限り、ほとんどの場合、初対面の楽器で人の評価を受ける事になる。

或はこれぞ、神に貰った才能と言わざるを得ないが、訓練する以前に、人の心を動かす声の持ち主や、器楽でも最初から凄く良い音を出す人も居る。

そして弛まぬ努力の果てに、理想を持つ前（単に直感的に獲得した状態）とは見違えるほどの「音」を身につける人も居る。

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でも、音楽は自己表現だという意識が、音楽そのものより優先しているジャンルやジャンルに関わらず、そういう世界観の人にとっては、「自分にとって心地よい音」というのはいくつか武器の選択肢はあるだろうが、それを行使するのに迷いはあまり無いだろうと思う。

あったとしても、それは「自分」をかっこ良く見せるための選択肢であって、外的な必要性に苛まれるということではないと言う単純な意味であろう。

そして、それが評価に値しないと言っているつもりは毛頭ない。

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しかし、ある部分演劇的と言って良いのか判らないが、作品に依って、あるいは作曲家の時代、様式、数百年前の曲であれば、現在演奏されている楽器を想定されていない場合の対処の仕方とか、演奏して出す音が、単に自分の都合だけではなく、何かに寄り添う、そこを今は「演劇的」と書いたのだが、判りやすく言えば、演劇で言えば、純真無垢な青年を演じるのか、死神を演じるのかに依って、出すべき音は違ってくるだろうということだ。

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故に、時には「汚い音」と書くと誤解されるとは思うが、戦いを彷彿とされる音楽に必要な音と、平和に微睡んでいる音楽、では、単に強弱の問題ではなく、しかも単純に色、というだけではない、「性格の違う」音の、絵の具みたいなものを持って行使する事が必要とされると思うのだ。

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だから、自分としては、役柄が違えば同じ人だとは思えない様なキャラクターになる音を出す演奏家（役者）の方が、どんな役を観ても、どんな曲を演奏していも、自分のカラーに染めて、その人の音が何時も際立っている人たちよりは興味を感じる。

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バレリーナの卵が居たとしよう。

彼女がどんなに舞踊でファンタジーを表現しようとしても、単純なバー・レッスンで脚が上がらなければ、その理想を表現する事は実現しない訳で、技術とはその心の中にあるものを舞踊だったらちゃんと股関節としては180度開けるスキルの上に成り立つ事だと思うのだ。

同様に、もともと役柄うんぬん以前に、不快な音を出す演奏家（役者）は残念ながらどんなに崇高な事を考えていたとしても、問題外だ。

この場合、くどいけど、声楽において、しゃがれ声は、場合に依っては、不快な素材になるけど、適応する使い方を変えただけで、しゃがれ声だからこそ魅力になる表現のジャンルがあるわけで、一概に、西洋クラシック音楽のスキルだけが評価されるべきだとは思ってない。

綺麗な音を出す、ないしは、もの凄く難しいパッセージを鮮やかに弾くことに努力する事は大変評価に値する事だが、それは出発点であって、目標であるはずがない。

音楽には、演劇が表す具体性から乖離してとても、抽象的な瞬間も多いが、やっぱりどんなに抽象的であっても、ある種の物語性というか、「美しい音」自体に「指向性」というか「表現のベクトル」みたいなものが伴わなくては面白みがない。

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芝居の場合は、役によって本当に人格が違う様に観えた人も居れば、他の役とそれほどキャラが違う様には見えない人でさえ、きっと、その人の中では、「役作り」として、葛藤し、その役になるために、色々考えているのだろうと思う。

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でも音楽の場合は、楽器を扱う事や、台詞の様に黙読して役の事まで考える以前に、楽譜を黙読して色んなイマジネーションを膨らませるには、音符を拾わなくてはいけないという台詞を読み込む難しさとは違う困難がまずあるわけだ。

その上で、額面通り掴むべき音が判ったとしても、それがどんな隠されたパズルの一片であるかまで理解するには、人間の感情の問題だけではない、音楽の構造を分析するスキルも必要だ。

だから、なおさら、正確に弾けた後、その達成感で終わってしまう演奏が如何に多いかと思うと、やはり音楽家はたまに生きた芝居を見て考えた方が良いと思うのだ。
（もちろん、少しでも体験するチャンスがあれば体験して損になる事は無いが）

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常に美しい音を求めて楽器に向かう事は大事なのだが、その音楽の形成している物語の中で「必要とされる音」を、抽象的な美しさに酔わないで、はっきりとベクトルをもって表現する事は、たとえ、その解釈が、まだ無理解や、もともと奇天烈なものであっても、何も葛藤してない状態よりは、「生きた」音楽になっている様な気がします。

だから、そういう演奏は技術的な傷があったとしても、説得力があるわけで、自分に習っている人たちの試演会が日曜日にあるんだけど、自分自身の、そして、その曲特有の技術的な困難さに怯える事無く、ピアノを弾くというだけじゃなくて音楽を表現してもらいたいと思ってやみません。

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安直にアマチュアの出演者に「楽しんでください」とは言いたくない。

楽しむためには相当な集中力が必要な訳で、集中し続ける事自体に苦悩している人も居る訳で、そういう状況で、楽しめと言われたってねえ（爆）

まずは、楽しむよりは、びりびりに緊張した中で、リラックスする事を探してほしい。

そのうちそれは楽になってくると、字の通り、楽しくなってくるから。

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例え独奏であっても、独りで弾いている時よりは、観客が上手に弾かせてくれるという状況を実感して楽しくなるのであって、確かに「自分が楽しくないと何事も巧く行かない」けど、何が楽しいのか判らないのに「楽しめ」と言われてすぐ楽しめる人は果たして居るのでしょうか（爆）

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脳の可能性とか知らずに機能している事って本当に面白いね。

もう一つ、倫理についての脳の働きに着いても面白い記事がありました。

当分「知覚」については興味が尽きそうにありません。

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水仙の写真は記事の無い様には関係ないけど、やはりこの梅と同じく、先日八王子の龍谷寺で、今年初めて見たものでした。

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Pianoの反復練習を行って、だんだん慣れて来て淀みなく弾ける様になるものですが、その後に、突然、全然訳が分からなくなって、ミスったり、或は酷い事になるとさっきまでそこをちゃんと弾けていたのに初見状態の様に何の音を弾けばいいのかさえ判らなくなることがあります。

最初に書いた様に、これはゲシュタルト崩壊として定義していあるものと同じなのか違うのか素人にはわかりません。

しかし、単に集中力がなくなったからミスをするんだ、と片付けられても、なぜ、そこまで出来た事が出来なくなるか判らない事が、自分でもある時があるし、今日もlessonをしていて初心者に近い人がそういう状態になっているのをみて深く同情しました。

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或は、反復練習をしていて、弾ける様になった段階安心してやめたとします。

そうなると、その数回後に来るべきゲシュタルト崩壊（爆）を経験せず、lessonや本番に臨む事になったりします。

そうすると、緊張と相まって、一番起きてほしくない時に限ってその瞬間思っても見ないミス、あるいは経験した事の無い破綻が起きる事があるのです（爆）

今日の記事にはこっちの状態の方を俎上に載せたいかな。

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家では「ちゃんと」弾けたのに先生の前とか本番になると、訳判らなくなるという経験はありませんか。

それを、「本番は何が起きるか判らないものだ」と単純に格言にして良いものでしょうか。

確かに本番というのは自分の家とは様々な点で環境が違うので、様々予期せぬ事が起きるのですが、そのミスの中には、ひょっとして準備の仕方によっては例え、初めて弾くものであっても、「本番に強くなれ」とかいう精神論を振りかざす以外に、もっと段階を重ねて積み重ねて行く事があって回避しうる方法がないのでしょうか。

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ちょっと脱線しましょう。

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とここまで書いて、あまりアクセスの多くないこのページに最近大上段に振りかぶって妙に思索的な事を、しかも文章力が無く、だらだら書いて誰が読むんだ、しかもこんなこと楽しいと思う奴がいるのか、というもう一人の自分のささやきが聴こえました。

プロの物書きじゃないのだから、自分の考えを整理する上では、本来この時間本来は練習すべきだし、確定申告も準備を始めなければいけないのだけど（爆）、3/4（日）に、習いにくる人たちの発表会が龍谷寺であるし、毎回思うが、「なんか巧く行かないで終わった」と思う人がいないよう（そりゃ無理だと思うだろう）にするにはどうしたら良いか、そして自分に取って、自分を奮い立たせたものは、数少ない「成功体験」だったわけで、それをどうやって出演者に経験させ、本番に対する恐怖や、本当の意味でリラックスして楽しんで演奏し、心を解放させる事ができるか、こんな僕でも考え居るのです。

だから、覚え書きとして公衆に発信（誰も読んでないとは思うが）する責任のある所に書き込んで後で間違えたと思う所は書き直せば良いと思って書いてみているのです。

そう、そこが本として出版するのと、このBlogとの最大に違いだね。

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話を戻します。

僕はlessonに於いて、「良い間違え方」と「悪い間違え方」があると良く言います。

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前者は、次の音型がちゃんと頭に浮かんでいて、それを掴みに行っているけど、体が萎縮していたり、手の準備が遅かったり、逆に勢いづいちゃって外す、というものです。

あと、演奏に夢想しすぎて、ちょっと心が気持ち良くなりすぎて、現実はぐちゃぐちゃということもあるのですが、まあ、これも批判されるべきだけど、今日のテーマではないので、これも良しとしちゃいます。

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では、「悪い間違え方」は何かというと、初めて弾く曲でもないのに、次の音がまったく判らなくなって立ち往生したり、止まらなくてもあまりにとんちんかんな音を掴んでしまう事です。

つまり、その瞬間、頭が真っ白状態。（これを英語ではBlack outというんだよな、正反対（爆））

なぜ、何回、何十回、も練習したはずのに、頭が真っ白になるのでしょう。

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聴いていて本来と違う音が鳴ったとたんに、その人の演奏の価値を見いださない人にとってはこの話はここでおしまいですが、pianoを勉強中で、自分の進歩について迷っている人たちに取ってはこの区別は実は、同じ間違いでも全然違うと思うのです。

この二つのミスの区別に着いては、客観的というより主観的なことだし異論も沢山あるでしょう。
しかも、そのミスについては、演奏した人の「つもり」と聴いている人の感想は全く一致してない事の方が多いかもしれない。

今回の記事は聴いている人の印象については言及しないつもりです。

あくまで、弾いている人で苦しんでいる人の道しるべになることを考えたい。

二つ目のミス、つまりまったく訳が分からなくなって往生してしまう状態というのは練習の仕方に原因があることがあります。

反復練習をしているときに、巧く行った時点ですぐに、出来たと思って安心してしまうのが危険なのです。

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それが例えば、4回くらい弾いたら出来たとしましょう。

そのまま続けて練習すると、前述の通り、きっと油断したり、ある意味訳判らない間違え方をする段階が、たとえば、7回目くらい（回数に意味は全くない（爆））に襲ってきます。

或は、巧く弾けた（暗譜出来た）と思って、飯を食いにダイニングに行き、戻って来てやるとまったく出来なくなっている事も。

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「練習量は嘘をつかない」とスポーツでも演奏でも言われますが、なんで沢山練習する人が最終的に結果を出すかというと、その反復の間には、「起きるべきな間違いをすべて経験するから」だと思うのです。

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練習で間違えると、自分自身に腹を立て、自分を呪う人が如何に多いか。
それがあまりに日常的になると、つまり、すこし進度が進むと必ず訪れる「壁」がそれだ。

本当に平易だった初歩の頃に比べて、すぐには弾けなくなる段階でだいたいの人はそれに我慢出来なくなり、やめちゃったりする。

で、幸運にも続けて来た人でも、間違える事で腹を立てるという考えを持ち続ける人は、ピアノを弾く楽しさよりも、なんか周りからやらされて来た延長で、決して楽しんで弾いている様には見えない人も多いし、間違えたことを何も振り返らないから、逆に間違える事に萎縮してしまう演奏になって居る様な気がする事が多いです。

もちろん、僕にもそういう気分になったことがあるからよくわかるのです。

そういう時はミスして振り返ったとしても、それは「畜生」で済ましてしまう（爆）

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違うのです、間違えてみて何がいけなかったか「明確に見ると」正しい方法があぶり出されてくるのです。

妙な書き方をしますが、自分の予想と違う間違いを本番ではなく、練習の段階で出来たことを喜べ、とは言いませんが（爆）、人間、物を覚えるのに、ミスしないと覚えなかった事って今までも遠心力を体で感じるには自転車で倒れないと解らなかったとか（爆）、無数にあったんじゃないかな、ということを主張したい。

だから子供は一度倒れると、急カーブではブレーキをかける事を覚えるのです。

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ゆえに、失敗したら、やっぱり喜んで（爆）、「ああ、こういう事が起こりうるのだ」と、手が先に行きすぎたのか、手の準備が遅かったのか、ここだと思ったら隣を弾いていたのかとか、無数に頭のノートの中に書き込める事例が増える事じゃないですか。

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僕はあまり暗譜に苦労はしません。

そう言うと、僕は、すぐに弾くと覚えると思っている人が居ます。

違います。

確かに全く覚えられないと言う人に比べたら、その辺は少しはアドヴァンテージがあるとは思うけど、その方法は、弾いている間に覚えたと思った後から本当の暗譜が始まるのです。

何度も弾いている間に、そのうち違う音を必ず弾きます。

耳を澄ませてその間違いに気づいたら、正しい音が逆にはっきり目指す音だと認識出来るし、似た様な所で違う音型があったら、最初の場面で覚えて、次にちょっとだけ違ったら、それを覚えている時に、前の似た所をもう一回見直すとその区別で覚え直さないと駄目な時もあるし、こんがらがったら、それこそ、電車の運転手さんの様に、その場所に来たら気をつけるべき事を声に出して確認して弾けば良いし、本来は歌いながら弾くべきです。

あらゆる情報を駆使（この音型、あるいは和音は黒鍵だけだとか、音楽の構造を分析して覚える事やそりゃ耳からだけじゃなく、視覚や論理すべて）して覚えます。

それは、ミスしないと違いが解りません。

だから、練習は如何に出会うべきミスを全部経験するかどうかだと思います。

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小さい頃、作曲家だった親父に、反復練習の際、間違いが二回以上続くと、「今は間違えた事を正しい事より沢山練習してしまったのだから、正しく弾ける回数が少なくともそれを上回らなくては先に行っては駄目だ」と叩き込まれた事がありました。

ケロヨンという児童向けのカエルの主人公の番組がやっていた時期でもあり、同じ場所を「4回間違えずに弾けなければ最初に帰る」練習をなぜか「ケロ4練習」と言われました（爆）

不器用な子供であった白石准にとっては4回というのは結構克服出来ない回数でした（爆）。

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長年おつきあいしているTrumpetの津堅さんとテレビの収録をした時、彼が若い頃、もの凄く不本意な演奏をある曲でやってしまって、何年も経った後、そのリヴェンジをするチャンスが来て、その時は、「上手にそこを吹けたときだけ、線を一本書いて、正の字を書き続けて、一日100回練習した」と言うエピソードが語られました。
（本番ではその無数に正の字が書かれた紙を燕尾服の内ポケットに忍ばせて、その数分の部分の為に立ち向かったという感動的な部分もありました。）

100回の成功した他には原因がはっきりしているミスや予想外のミスももしかしたらその回数と同じぐらい或はそれ以上あったかもしれませんが、単純に100回吹けば上手になると思うでしょ？

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僕も子供の頃のケロヨン練習を思い出し、津堅さんのエピソードの真似して弾けない所を、カウンターを買って来て頑張って練習してみましたが、相当沢山弾いてばててきたなと思ってカウンターを見たら37回しか弾いてなかったので、やっぱり100回というのは並大抵の努力ではないと改めてため息をつきました（爆）

でも久しぶりに（じゃ困るな）ハードな課題を自分に突きつけて練習してみたら、不思議な事に、翌日同じ箇所をまた弾き出すと、最初のうちは昨日あんなに弾いたのにと思うくらいの不出来なのですが、すぐに前日の15回目くらいの水準に戻れるのですね。

何よりも違うのは、前日の最初の頃の自信の無さ、という心理が吹っ飛んでいる事です。

そして、まだ本当の意味の自信はないけど、この練習を続けて行けばきっと、そのうち今の数倍の余裕がこの場所を通り過ぎる時に出来るだろうという確信が生まれてくるのです。

この歳になってそれに気づいたわけじゃないけど、昔感じた時よりもなんか肉体的に衰えている部分があるだけに、技術が向上すると若い頃できなかったことが出来た気になって嬉しさが倍増します。

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もうBlogの記事としては長過ぎる状態になったので、そろそろ終わりにしなければ、、、。

音楽の中身に対する理解とか解釈とか、人を感動させるにはどうしたらいいかとかもっと大事な事は楽器を弾く上では考える必要があって、こういう段階の記事ばかり書くと、僕が技術至上主義だと思われてしまうかもしれないが、技術と哲学は、表裏一体のものであるから、本来は分けて考えたくはないのです。

ハードディスクにデータを記録する様には、人間の脳に一回仕込んだ事がすぐに正確に反復出来る様にはならない。

でもいつでも同じデータが再生されるコンピュータとは違って、仕込んだ技術はどんどん向上するし、その間にとんでもなく素晴らしい着想が伴って表現される時もあるわけだけど、それは常に、心が表現する事に向いてないと出来ないと思います。

つまり、最後になるけど、正確に弾けてから、表現の事を考えるという言葉を習いにくる人から良く聴くし、手順としては一見棒読みから初めている様な気がするけど、表現するために技術の選択肢の中からいろんな事を駆使して音にするのであって、ちゃんと弾けたら表情が着くというのは、幻想に過ぎないと思っています。

正確に弾くにはどうしたらいいかは、方法論がしっかりしていて、その人の肉体的な条件と合致すれば十分教育出来る確信があります。

その上でその演奏に面白みや感動を感じる（誰が？自分？客？それは面倒から言及しない（爆））ようにする事は例えを交えて教える側がそれを知っていればほのめかす事が出来るかもしれないけど、機械的な技術の事の様には、伝わる確信はないし、やってみせてもどこまで通じるかわかりません。

じゃあ、教える側は何をしなきゃいけないか、ここまで書いてなんだけど、それを考えている毎日で、なにも結論は無かったのです（爆）

逆に解らなくて悩んでいる弟子が居るからこそ、こっちがやり方を気づくかもしれないし、僕が感じた事の無い物を習いに来ている人が表現出来ている事も沢山経験しました。

結局、これだけは言える。

一人で苦しんでもだいたいの場合は解決しないということだ。

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また脱線した。

題名のゲシュタルト崩壊はどこに行ったのかと突っ込みましたね、あなた（爆）。

もう何度も書きましたが、反復練習をしている間に、「弾けていたものが訳解らなくなる」くらいあらゆる間違いの可能性を経験して強くなるという事です。

ああ、凄く面白みの無い文末になりました。すみません。

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習いにくる人も頑張っているから僕も仕事じゃない部分で頑張りをみせようと、子供の頃に初めて弾いたBachのFrance組曲が3番だったのだけど、それを最近、lessonに来る人の前で何度も弾いています。

面白いのは、生徒の前で弾くというのは自分じゃ模範演奏というつもりじゃないので、あまりいい気分ではないのだけど（爆）、もう今日で5回目だったのだけど、変な意識がなくなって、自分の中では上手くなって来たぞという実感があって、子供の頃弾いていた時はこんな風に聴こえてなかったとか、色々思いました。

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世の中にはいろんな仕事があるけど、僕の仕事は、子供の頃にやっていた曲を未だに弾いているということがあって、そんな職業ってあまりない様な気もするので、それは幸せな事だと突然思いました。

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それと、職業音楽家がアマチュアと決定的に違うのは、練習じゃなくて、同じ曲を何度も本番で弾くという経験ができるということだね。

だから、いつも書くけど、発表会での失敗はたった10分程度しか弾いてないのだし、上手く弾ける方がおかしい（爆）くらいに気楽に思った方が良いです。

機会があって少なくとも20分以上弾いていれば、そのうち雰囲気に飲まれていた自分を取り戻せるし、同じ曲を何回目かに人の前で弾くと、最初の時とは違うことははっきり自覚できるはずです。

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あ、ロンドンオリンピック最終予選のU23のサッカー日本代表のマレーシア戦が始まってる時間だ。

それは今日の記事はこの辺で。